La gran ola Hokusai. 1823-1829

• Barcos: Los barcos frente a la inmensidad del tsunami, la gran ola, que azota con frenesí sus barcas.
• Fuji: El monte Fuji es uno de los iconos de los grabados japoneses y de todo su mundo en general. Aquí se erige majestuoso, en contraste con la inmensidad de la ola en primer término.
• Perspectiva: En esta imagen se ve la maestría del autor, que llegó después a conocer grabados holandeses de los que aprendería el claroscuro y la perspectiva.
• Cielo: El cielo amenaza con tormenta, dando una imagen más agobiante si cabe de la escena.
• Firma: Esta xilografía pertenece a la serie de las Treinta y seis vistas sobre el monte Fuji. Estos grabados a su vez pertenecen al Ukiyo-e, del periodo Edo.
• La gran ola: Brucamente azota los barcos y la cosa de Kanagawa esta ola de tamaño desproporcionado, que se ha convertido en un símbolo de Japón.
• Influencia: Hokusai se convirtió en un genio para Occidente. El japonismo, corriente que se dio en el siglo XIX en Occidente, surgió curiosamente de los papeles que servían para envolver los paquetes que se comerciaban. Así, imágenes como ésta pudieron llegar hasta nosotros y ser el referente que son en nuestros días.

Guerreros de Xian, H. 246 a.C.

• Encargante: Emperador Qin Shi Huangdi, para su tumba
  

• Ubicación: Original en el monte Li, en la tumba del emperador.

• Estilo artístico: Arte funerario chino

• Técnica: Terracota

• Dimensiones: Entre 45-78 cm.

• Estado de conservación: Muy bueno, aunque actualmente hay problemas porque se están empezando a deteriorar (normal, después de estar años encerrados bajo tierra exponerlos al oxígeno de la atmósfera produce oxidación, erosión…)

Detalles de la obra

• Tumba: Estas esculturas se realizaron para la tumba del primer emperador Qin Shi Huangdi. Eran unas 7.000 esculturas que se encontraban en un túmulo artificial, a modo de montaña, que los historiadores dicen que tenía una cubierta de bronce y que estaba decorada la tumba por ríos de mercurio con movimiento mecánico. Incluso se habla de que existieron trampas para que nadie accediera a la tumba y todo estaba salpicado por maquetas de grandes palacios y construcciones. Lo que el emperador quería crear para su muerte era un microcosmos, un universo a medida.
• Tamaño: Las esculturas tienen una medida aproximada entre 65 y 78 cm y lo más sorprendente de su hallazgo, entre 1938-1979, es su fenomenal estado de conservación para su edad.
• Ejército: Las 7.000 esculturas, aproximadamente, se disponen como un verdadero ejército, con arqueros, caballos, carros. Todos ellos ataviados con armaduras distintas, muy posiblemente hubieran llevado armas y estaban policromados con colores vivos.
• Rostros: Sin duda, lo más impactante es que sus rosotros son siempre distintos e incluso su tez había variado de color. Representan a distintas etnicas.
• Técnica: El proceso para realizarlas consistía en realizar primero el cuerpo con todos sus detalles, para luego unir las cabezas y las manos, que se moldeaban por separado. Además, se realizaron en terracota, de ahí que se les denomine también Los guerreros de terracota. Basicamente es barro cocido.

Castillo de Himeji

• Encargante: Akamatsu Sadanori

• Año: 1346-1618

• Ubicación: Monte Himeji, prefectura de Hyogo(Japón)

• Estilo artístico: arte japonés periodo Muromachi

• Dimensiones: 47 m. de alto la torre principal

Más información

• Historia: Uno de los famosos castillos japoneses más conocidos es el construído en el monte de Himeji, por lo que toma su nombre de él. Sin embargo, también es conocido como el Castillo de la garza blanca, por el color sus muros. En 1346, Akamatsu Sadanori planteó por primera vez crear allí un castillo aunque posteriormente sufrió grandes modificaciones en la idea y un largo proceso de ampliación hasta llegar al actual.
• Zonas: El castillo fue una gran ciudad llena de laberintos y calles, de los cuales vemos la gran torre central que se erigió sobre un talud, a cierta altura. Por tanto, es un castillo del tipo hirayama-jiro, sobre una colina. Había zonas delimitadas en los castillos, como la gran torre que podemos ver, que servía de vigilancia; la puerta central; los recintos secundarios donde vivía el señor del castillo con su familia.
• Blanco: Uno de los aspectos que más llama la atención son sus muros blancos, enyesados, contrastando con la teja oscura que servía de cubierta para sus tejados.
• Forma: La forma de su arquitectura sigue las líneas típicas de la arquitectura japonesa: verticalidad, consecución de tejados, yeso para los muros de los castilllos,...
• Interior: Otro de los temas que más llama la atención del castillo son sus laberintos y sus jardínes, al estilo Edo. Se trata de nuevo de equilibrar la vida humana con la naturaleza.

Escriba sentado. s. XXIV a.C.

• Ubicación: Museo del Louvre
• Estilo artístico: Arte egipcio, dinastía V
• Técnica: Caliza
• Dimensiones: 53 cm. de alto

Detalles de la imagen

• Modelo: Era bastante habitual encontrarnos con este tipo de modelos, que seguían siempre el mismo esquema de figura sentada, de frente, y ejerciendo una actividad, en este caso con un punzón de escriba.
• Naturalismo: A partir de la V dinastía, se empieza a poner más naturalismo a las figuras, aunque siguen estando demasiado frontales e hieráticas. Para aumentar dicha naturalidad, se usaban piedras como basalto para los ojos e incluso los párpados.
• Escriba: El escriba era un funcionario real muy loado a partir de la dinastía IV, por eso es frecuente su representación como una persona voluntariosa y afable, como este caso.
• Ténica: Aunque la escultura derrocha naturalismo y no idealización, también vemos elementos de una técnica poco depurada, como se puede ver en el pie donde se ven sólo tres dedos y en la musculatura de los brazos.

Novena sinfonía Op 125 en Re Beethoven

• Año: 1824
• Historia: Esta sinfonía, la última completa del artista, es un alegato al tránsito de una forma cerrada de ver la música a otra más romántica y abierta. Esto sucede gracias a su contexto socioideológico: la Revolución Industrial, la Revolución Francesa, la Ilustración. Supone una apertura de miras en la sociedad burguesa y por eso es el momento de la ruptura que supone Beethoven con esta partitura.
• Importancia: En el Teatro de la Corte Imperial de Viena se escuchó por primera vez esta sinfonía, que supuso un gran aplauso en el público, ya que a parte de su propia importancia sabían que era la última del autor, que sordo completamente poco después optó por retirarse.
• Música: Se trata de una música programada para un texto literario de Schiller llamado Oda a la Alegría. Es una mezcla entre sinfónico y coral, con un ritmo trepidante.

Ofelia, por John Everett Millais

• Ubicación: Tate Gallery de Londres
• Año: 1852
  
• Estilo artístico: Prerrafaelita / Romancitismo inglés
• Técnica: óleo sobre lienzo
• Dimensiones: 76 x 112 cm.

Detalles de la imagen

• Ecosistema: Millais pinta con detallismo la naturaleza, algo que se ha denominado como ecosistema pictórico.
• Ofelia: Ofelia nace de la literatura de Shakespeare, prometida de Hamlet y cuyo padre se había suicidado involuntariamente, fue a recoger flores y apareció muerta flotando en el río. Es el momento en que la pinta Millais, sin vida y flotando con las flores que fue a recoger aún en la mano.
• Elisabeth: Elisabeth Viddal posó como modelo, para convertirse en la musa de los prerrafaelitas después. Era una joven dependienta de una tienda de sombreros.
• Importancia: Ni el tema ni la forma de hacerlo era del gusto académico, algo que buscaban los prerrafaelitas. No era muy normal encontrar cuadros con el tema de una mujer ahogada y menos con esta minuciosidad, tanto en la naturaleza como en la propia expresión de la difunta con la boca abierta.
• Esencia: La búsqueda de la esencia de la pintura hace que los prerrafaelitas aboguen por una poética de la pintura, como en este caso. La belleza prerrafaelita se representa con mujeres delgadas, con pelo claro, con tez blanca; mientras que el nuevo tratamiento de la figura de la mujer, que muere por amor, desesperada, y vemos su último suspiro.
• Temática: Si antes en el romanticismo se buscaban temas muy parecidos a éste, poéticos, los prerrafaelitas usan estos mismos parámetros pero añaden el tema social, quitan la cultura victoriana de refinamiento y hacen obras poéticas pero naturales.

Desconsuelo, por Josep Llimona

Análisis formal

1.-Material y técnica.

Escultura esculpida en piedra (mármol). Figura completa.

2.-Composición.

La composición tiende a ser triangular.

3.-Destino y función.

Esta escultura tenía un destino ornamental y una función decorativa en el parque de la Ciudadela (Barcelona).

4.-Movimiento.

Esta figura es estática, no expresa movimiento.

5.-Posición y actitud.

Representa a una mujer arrodillada, apoyada en un bloque de piedra, con una actitud dramática.

6.-Tema.

Esta escultura representa a una mujer anónima, que simboliza el desconsuelo.